»Sie wollte das Leben mit jedem Atemzug genießen, egal unter welchen Umständen.«
Interview mit Dr. Xenia Vytuleva-Herz über Anna Andreeva
Anna Andreeva, 1954
Vor einigen Jahren entdeckten Annette und Rainer Stadler über die Galerie Emanuel Layr das außergewöhnliche Werk der russischen Textildesignerin Anna Andreeva (1917-2008). Sie waren sofort von den auffälligen optischen Mustern ihrer Entwürfe fasziniert. Doch es war die bemerkenswerte Geschichte der Künstlerin, die einen bleibenden Eindruck hinterließ. Anna Andreevas Werk ist geprägt von ihrer Rolle als führende Designerin an der Seidenfabrik „Rote Rose" in Moskau, wo sie ihre visionären Entwürfe trotz der Herausforderungen und Vorgaben der sowjetischen Kulturpolitik verwirklichte.
Für die Sammlung Stadler sprach Sophie Azzilonna mit Dr. Xenia Vytuleva-Herz, Architekturhistorikerin, Kuratorin und Enkelin von Anna Andreeva. Im Interview gibt sie Einblicke in die „Entdeckung“ des Erbes ihrer Großmutter und dessen Relevanz und Bedeutung für unsere Zeit.
Im Jahr 2018 entschieden Sie sich, das Archiv Ihrer Großmutter zu öffnen. Wie kam es dazu?
Im Jahr 2018 lebte ich in New York und unterrichtete Architekturtheorie an der Columbia University. Zu dieser Zeit war ich unglaublich mit meiner beruflichen Karriere beschäftigt. Als mich ein Kurator vom MoMA kontaktierte und sagte, dass sie einen Ankauf der Werke meiner Großmutter in Erwägung ziehen, war das natürlich sehr schmeichelhaft. Es war ein spontanes und absolut ungeplantes Ereignis in meinem Leben.
Während der größte Teil des Archivs nach 1991 in Berlin verblieb, lagerten viele der Werke meiner Großmutter in ihrer Datscha, einem Landhaus zwei Stunden nördlich von Moskau. Sie liebte diesen Ort und nutzte ihn nach ihrer Pensionierung von der Seidenfabrik „Rote Rose“ als Atelier. 2018 hatte ich jedoch keine Zeit, dorthin zu fahren. Stattdessen öffnete ich die Mappen unter meinem Bett und zeigte dem Kurator alles, was dort aufbewahrt war. Das Museum erwarb schließlich etwa 20 Werke – alles, was ich dem Kurator gezeigt hatte. Der Ankauf ging schnell vonstatten. Das Kuratorium trat kurz darauf zusammen, und wir erhielten seine einstimmige Zustimmung. Einige Wochen später erschien ein Artikel in The Art Newspaper, in dem der Erwerb der Werke meiner Großmutter durch das MoMA zu den fünf wichtigsten Ankäufen des Jahres gezählt wurde. Dieser Artikel brachte eine unglaubliche Aufmerksamkeit von anderen Museen und Kuratoren weltweit.
Überraschenderweise wurde das Interesse zuerst von außen geweckt und nicht aus der Familie heraus. Wir wussten, dass Anna Andreeva eine bedeutende Persönlichkeit in der UdSSR und auch international war – ihre Designs wurden beispielsweise in den 1970er Jahren auf Weltausstellungen in Montreal und Osaka präsentiert. Fachleute waren sich stets der historischen Bedeutung ihrer Designs bewusst, die besonders während des Kalten Krieges auch diplomatische Funktionen erfüllten.
Heute arbeiten wir daran, das Archiv zu ordnen und zu katalogisieren. Im Jahr 2021 fingen wir an, mit der Galerie Emanuel Layr zusammenzuarbeiten, die uns dabei sehr geholfen hat. Diese Zusammenarbeit begann durch einen glücklichen Zufall: Ich war von den zahlreichen Anfragen für Leihgaben von Museen überwältigt und hatte Schwierigkeiten, den Nachlass neben meiner akademischen Arbeit zu verwalten. Ein befreundeter Kurator machte mich mit Emanuel Layr bekannt, und seither befindet sich das Archiv hauptsächlich in der Galerie in Wien.
Anna Andreeva, Exercise with Northern Embroideries, 1979
Seit der Öffnung des Archivs gab es eine Reihe von Ausstellungen von Anna Andreevas Arbeiten weltweit. Was bedeutet es Ihnen, dass ihr Werk nun so große internationale Anerkennung erfährt?
Die Aufmerksamkeit gilt nicht nur der außergewöhnlichen Qualität des künstlerischen Erbes von Anna Andreeva, sondern auch der einzigartigen Ideengeschichte, die ihre Werke repräsentieren. Jedes Stück offenbart mehrere Erzählebenen. Eine wichtige Ebene ist politisch: Ihre Werke, die unter immensem Druck entstanden sind, dienten während des Kalten Krieges als Werkzeuge kultureller Diplomatie. Ihre wunderschönen Designs, die sie zu speziellen Gedenkanlässen gestaltete, wurden auf Staatsbesuchen als Geschenke an westliche politische Führer überreicht, wenn die verbale Diplomatie versagt hatte. Diese Designs wurden zu Kommunikationsbrücken, zu Symbolen des Dialogs.
Das Vermächtnis von Anna Andreeva findet heute, in einer Welt anhaltender Spannungen und Konflikte, großen Widerhall. Sie war eine Botschafterin des freien Denkens, die unter repressiven Umständen außergewöhnliche künstlerische Leistungen vollbrachte. Ich denke, das ist eine Botschaft, die Museen heute vermitteln wollen: Ihr Werk ist ein Beweis für die Fähigkeit der Kunst, Dialoge zu fördern und Unterdrückung zu überwinden.
Ihre Großmutter bezeichnete die Textilkunst als ihr „Territorium der Freiheit“. Was meinte sie damit, und wie spiegelt sich das in ihren Designs wider?
Meine Großmutter beschrieb ihr Leben oft als „eine Geschichte des Trotzdem“. Ursprünglich wollte sie Architektin werden und wurde auch am Architekturinstitut zugelassen, doch ihre Bewerbung wurde letztendlich abgelehnt – aufgrund des wohlhabenden Hintergrunds ihrer Familie, was in den 1930er-Jahren in der Sowjetunion als Verbrechen galt. Ihr blieb nichts anderes übrig, als an das Textilinstitut zu wechseln, das ihr aufgrund seiner progressiven Geschichte ironischerweise mehr Freiheiten bot. Das Textilinstitut in Moskau ging aus dem VKhUTEMAS hervor, dem sowjetischen Pendant zum Bauhaus. Viele Professoren pendelten zwischen den beiden Schulen. Anna Andreeva wird heute als Bindeglied zwischen der sowjetischen Avantgarde und der zweiten Welle der Bewegung gesehen.
Von diesem Moment an begann ihre „Geschichte des Trotzdem“. Trotz ihrer Versetzung zum Textildesign fand sie ihre künstlerische Stimme. Nur im Bereich der angewandten Kunst konnte sie während der Sowjetzeit ihre avantgardistischen optischen Muster kreieren, während jede traditionelle Malerei dagegen leicht als Manifest abgestempelt werden konnte.
Wie gelang es ihr, ihre rein abstrakten oder optischen Designs in diesem restriktiven System zu verwirklichen?
Jedes Muster für die Seidenproduktion musste von einem speziellen Komitee genehmigt werden, dem auch KGB-Agenten angehörten. Meine Großmutter umschiffte die vorgegebenen Einschränkungen geschickt, indem sie Geschichten zu ihren Entwürfen erzählte. Zum Beispiel wurde ihre berühmte Serie „Radio Waves“ zunächst unter dem Titel „Der Regen“ abgelehnt, da das Komitee sie als rein abstrakt betrachtete. Nach einem Gespräch mit meinem Großvater, dem Wissenschaftler Boris Andreev, benannte sie die Serie in „Radio Waves“ um und schuf so einen Bezug zu sowjetischen wissenschaftlichen Errungenschaften. Dieser neue Titel gab ihr ideologisch grünes Licht, und das Muster wurde genehmigt. Ein weiteres Beispiel ist ihre Serie „Electrification“, die sich auf Lenins berühmte Aussage stützte: „Kommunismus ist Sozialismus plus die Elektrifizierung des ganzen Landes.“ Unter diesem Titel wurden mehrere abstrakte Designs in Produktion genommen.
Wenn selbst solche Taktiken scheiterten, hatte sie einen Notfallplan. Sie brachte zu den Komiteesitzungen eine kleine Tasche mit ausgeschnittenen Blumen mit. Falls das Komitee ihre Designs als zu abstrakt oder zu stark vom Kapitalismus beeinflusst ablehnte, entschuldigte sie sich, fügte dem geometrischen Muster eine Blume hinzu und präsentierte es als figurative Kunst. Mit einer kleinen Blume obendrauf wurden die geometrischen Muster akzeptiert.
Innerhalb der Textilproduktion gab es eine Unterkategorie, die noch mehr Freiheit bot. Das waren die Muster für Kinderdesigns. Diese waren fast völlig unzensiert. Ein Beispiel dafür sind ihre berühmten „Little Cubes“, die für Kinderschlafanzüge entworfen wurden und heute Teil der Sammlung des MoMA sind.
Mit anderen Worten: Die Öffnung von Anna Andreevas Archiv ermöglicht eine neue Perspektive auf das Geschichtenerzählen durch Kunst.
Anna Andreeva, Little Cubes (Alphabet), 1965 / Electrification, 1976 / Electrification Sketch, 1969
Trotz ihres Erfolges hielt sich Anna Andreeva stets von der Kommunistischen Partei distanziert. Gleichzeitig wurde sie zur „visuellen Botschafterin“ der UdSSR und ihre Designs wurden für kulturelle Diplomatie genutzt. Wie empfand sie das Leben in diesem Spannungsfeld?
In der Tat sagte meine Großmutter oft, sie sei nicht Mitglied der Kommunistischen Partei, sondern der Partei der Künstler der UdSSR gewesen. Dies wirft ein Paradoxon auf, mit dem sich heute viele Wissenschaftler beschäftigen. Wie war es möglich, dass eine Frau, die mit einem ehemaligen politischen Gefangenen des Gulag verheiratet war, aus wohlhabenden Verhältnissen stammte und nicht Mitglied der Kommunistischen Partei war, als führende Künstlerin in der Seidenfabrik „Rote Rose" aufsteigen und internationale Anerkennung erlangen konnte?
Eine Erklärung dafür ist, dass das kommunistische System, so starr es auch war, gelegentlich Momente von Flexibilität zeigte. Selbst innerhalb des KGB gab es Agenten, die verstanden, dass modernistische Muster eine kulturelle Brücke zur westlichen Welt sein konnten. Die Werke meiner Großmutter waren ein Teil dieser Brücke. Ihre modernistischen Designs, die eine universelle künstlerische Sprache sprachen, wurden zu einer Art konvertierbarer Währung, die politische und kulturelle Grenzen überwinden konnte.
So trug beispielsweise Raisa Gorbatschowa, die Frau von Michail Gorbatschow, im Rahmen ihrer diplomatischen Missionen häufig die optischen Muster meiner Großmutter, was ihrer Arbeit zusätzliche Legitimität verlieh.
Meine Großmutter war für ihre avantgardistische und freigeistige Vision bekannt. Sie sagte selbst, sie habe unglaublich viel Glück gehabt. Es ist jedoch unbestreitbar, dass ihre Fähigkeit, durch eine modernistische visuelle Sprache zu kommunizieren, dazu beitrug, einen Dialog mit dem Westen herzustellen, selbst unter den Einschränkungen des Eisernen Vorhangs. Ihre Werke, die eine universelle Sprache sprechen, waren vielleicht der Grund dafür, dass sie in einem so restriktiven Umfeld erfolgreich waren.
Einige ihrer bekanntesten Designs – wie „Radio Waves“, „Little Cubes“ und „Lunar Studies“ – waren in den 1960er und 70er Jahren weit verbreitet. Wissen Sie, ob diese Muster auch heute noch von Designern und Designerinnen aufgegriffen werden?
Wir wissen nichts über ihren direkten Einfluss. Was wir aber wissen ist, dass es ein enormes Interesse seitens der Textilindustrie an ihren Entwürfen gibt.
Könnten Sie sich eine Zusammenarbeit mit der Industrie vorstellen?
Diese Entscheidung liegt bei der Familie. Ich denke jedoch, dass eine Capsule-Kollektion in Kombination mit Storytelling eine unglaubliche Möglichkeit wäre, ihre Muster und Ideen neu zu betrachten und die Botschaft des freien Denkens unter schwierigen Umständen aufzugreifen und zu unterstreichen – eine Botschaft, die heute relevanter ist denn je.
Anna Andreeva war Teil einer Generation von Künstlerinnen, deren Vermächtnis lange übersehen wurde. Welchen Beitrag kann ihre Wiederentdeckung zur Kunstgeschichte leisten?
Anna Andreeva wird oft mit Anni Albers verglichen, da beide in der Tradition der Avantgarde ausgebildet wurden und beide mit geometrischen Mustern in Textilien arbeiteten. Es gibt jedoch einen wesentlichen Unterschied. Anni Albers arbeitete individuell in ihrem Atelier und webte ihre Designs, während die Arbeit meiner Großmutter tief mit dem Kollektiv und den industriellen Prozessen verbunden war.
Sie arbeitete in der Fabrik neben den Maschinen, wo ihre Designs auf Seide gedruckt wurden. Sie war außerdem sehr vertraut mit den technischen Aspekten der Seidenproduktion. Zum Beispiel erinnere ich mich lebhaft daran, wie unser Kühlschrank zu Hause einmal mit Seidenraupen und Seidenkokons gefüllt war, die sie von ihren Geschäftsreisen nach Usbekistan mitgebracht hatte. Als Kind fand ich das beängstigend; heute verstehe ich, dass es Teil ihrer Arbeit war. Ihre Kunst war eng mit der Industrie verbunden, und diese Verbindung prägte ihre Denkweise.
Wie verläuft die Organisation und Erhaltung des Nachlasses? Gibt es besondere Herausforderungen?
Es gibt Herausforderungen. Die größte davon ist, dass das Archiv, das in der Seidenfabrik „Rote Rose“ aufbewahrt wurde, bei der Zerstörung der Fabrik während der Perestroika-Jahre verloren ging. Daher haben wir nur einen Bruchteil von Anna Andreevas Nachlass. Die Familie sucht weltweit nach ihren Werken. Einige tauchten bei Auktionen auf, andere wurden bei Verwandten gefunden – verstreut im ehemaligen Ostblock. Ein großer Teil ihrer Werke wurde während der Perestroika, als die Grenzen geöffnet wurden, in Ost-Berlin gelagert.
Eine weitere große Herausforderung ist die Zerbrechlichkeit des Mediums selbst. Textilien, insbesondere Seide, sind von Natur aus empfindlicher als andere Materialien, was auch eine spezielle Konservierung erfordert. Die meisten ihrer erhaltenen Kunstwerke sind auf Papier. Auch wenn sie mit den hochwertigsten Materialien arbeitete, die damals verfügbar waren, benötigen diese Werke dennoch eine sorgfältige Behandlung durch Experten.
Eine interessante Geschichte über Anna Andreeva ist, dass sie oft mit unkonventionellen Pigmenten experimentierte, wie Bitumen (dem beliebten Material der frühen Avantgarde) oder Jod und Kaliumpermanganat, die sie aus der Medizin und nicht aus dem Künstlerbedarf bezog. Wir haben dies erst während der Vorbereitung der Museumsausstellung im MOMus in Thessaloniki erfahren.
Was erhoffen Sie sich für die Zukunft des Nachlasses? Gibt es Projekte oder Ausstellungen, die Sie in Planung haben?
Wir erleben momentan eine enorme Welle von Anfragen von Museen und Kuratoren; man könnte sagen, dass es fast unnötig ist, etwas zu forcieren oder zu planen. Zum Beispiel eröffnete letztes Jahr die Shanghai Biennale mit einer großen Ausstellung der Werke meiner Großmutter, die dem Thema Raum und Kosmos gewidmet war. Diese Ausstellung wurde zu einem der „instagrammable“ Highlights der Biennale und zog weltweit enorme Aufmerksamkeit auf sich.
Museen und Kuratoren sind fasziniert davon, wie ihre Muster die Wahrnehmung des Betrachters ansprechen und lebendige Dialoge in verschiedenen Kontexten schaffen. Im MAK Museum zum Beispiel wurden ihre Werke zusammen mit denen von Rosemarie Trockel gezeigt, einer weiteren Künstlerin, die für ihre Fixiertheit auf die Wiederholung von Mustern bekannt ist. Diese Gegenüberstellung verdeutlichte, dass Andreevas optische Erkundungen über ihre historischen und politischen Ursprünge hinaus eine universelle Resonanz haben.
Unser Wunsch ist es auch, einen Dialog über ihre einzigartigen Erfahrungen als Künstlerin zu fördern, die sich mit den Herausforderungen der Zensur und dem Leben hinter dem Eisernen Vorhang auseinandersetzen musste. Das Vermächtnis von Anna Andreeva zeigt, wie kreative Ideen politische und kulturelle Grenzen überwinden können. Ihre Geschichte erinnert an die anhaltende Kraft der Kunst und ihre Fähigkeit, auch unter restriktiven Bedingungen zu gedeihen. Es ist diese universelle Botschaft von Widerstandsfähigkeit und Kreativität, die ihr Werk auch heute noch so relevant macht.
Anna Andreeva, 1/2 of the Moon, 1961 / Installation views of the 14th Shanghai Biennale. Courtesy The Estate of Anna Andreeva & Layr, Vienna
Gibt es bestimmte Erinnerungen oder Geschichten über Ihre Großmutter, die Ihnen besonders am Herzen liegen und die Sie abschließend gerne mit uns teilen würden?
Da gibt es eine Menge Geschichten. Ich bin bei meiner Großmutter aufgewachsen, und ich erinnere mich noch lebhaft an sie. Es war ein wirklich aufregendes Leben mit ihr, nie langweilig. Sie hatte eine unglaublich starke Persönlichkeit – charismatisch, hinreißend und anziehend. Wann immer sie einen Raum betrat, stand sie im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit.
Eine Geschichte, die mir besonders am Herzen liegt, betrifft ihre unglaubliche Intuition und ihr Talent. Als ich etwa sieben oder acht Jahre alt war, hatten wir ein Kätzchen, das versehentlich in ein offenes Tintenfass sprang und dann über einen ihrer fertigen Entwürfe lief. Mein Bruder und ich waren entsetzt – wir dachten, wir würden zusammen mit der Katze rausgeworfen werden, weil wir ihre Arbeit ruiniert hatten. Aber am nächsten Morgen kam sie ins Zimmer, sah sich ihr verändertes Kunstwerk an und sagte: „Es hat sich etwas verändert, und es gefällt mir. Ich habe nach diesem unregelmäßigen Rhythmus gesucht.“ Sie integrierte die Fußabdrücke des Kätzchens in das endgültige Design. Diese Geschichte zeigt ihre Offenheit gegenüber dem Zufall, ihre Fähigkeit, das Unerwartete anzunehmen und es in etwas Schönes zu verwandeln.
Eine weitere lebhafte Erinnerung bezieht sich auf ihre Liebe zum städtischen Leben und seinen Rhythmen. Wir wohnten im Zentrum von Moskau, in der Nähe einer zentralen Allee. Trotz all des Lärms und der Abgase öffnete sie die Fenster weit, um die Geräusche der Stadt zu genießen, vor allem während eines Feuerwerks. Sie schuf sogar eine Reihe von Werken, die vom städtischen Leben inspiriert waren, wie zum Beispiel ihre „Feuerwerk“-Designs. Diese Momente geben uns eine Vorstellung davon, wie sehr sie das Leben im Allgemeinen liebte – sie wollte es mit jedem Atemzug genießen, egal unter welchen Umständen.
Aktuelle Ausstellung:
COLLECTIVE THREADS: ANNA ANDREEVA AT THE RED ROSE SILK FACTORY
Museum of Modern Art-Costakis Collection, Thessaloniki (GR)
08.12.2024 – 27.04.2025
Ein umfassender Katalog mit historischen und theoretischen Essays von Wissenschaftlern, Kuratoren und Kritikern erscheint anlässlich der Retrospektive.
